晓燚Rain

回喵一懵

怎样通过临摹古典名作快速提高油画水平

姚澈Cheyo:

很多油画初学者(尤其是身边缺乏专业老师指导的初学者)都面临同一个问题,那就是如何能使自己能够沿着正确的方向,快速提高自己的油画水平。其实是有一个对于任何一个学习油画的人(包括有专业老师指导的油画学习者)来说都行之有效的方法的。这个方法就是临摹古典大师的经典作品,在临摹中体会感悟,使自己能够快速的提高油画技巧。

对古典名作进行临摹是我们学习和掌握古典油画技法的一个重要途径。由于客观条件的局限,广大的国内学习油画者是没有多少机会去直接研究欧洲名画的。但根据一些图片与文献资料去揣摸、研究这些作品的绘制方法和作画程序还是有可能的。

在这里,需要尤其说明的是,我接触过许多的油画初学者都不喜欢临摹,甚至对临摹经典绘画有着抵触情绪,认为只有不断写生才是提高油画技巧和能力的途径,还有一些人会去找一些在真正的艺术家看来并不优秀的作品去临摹学习。以上的两种做法,都是严重错误和不可取的。经典大师的作品,都是饱含了一代油画大师对油画的理解和感悟的精髓的东西,每一个色调的处理,每一个造型的推敲,甚至每一笔笔触的走向,都是大师经过了多年的不断训练和钻研锤炼的。选择大师的经典作品去临摹,就相当于站到了巨人的肩膀上,是最为直接有效的获取油画精髓的方式。而如果选择临摹一些并不经典和优秀的作品,往往再不经意间你会沾染上这些作品中的缺点和问题,对于初学者来说,这些缺点一旦被养成,往往很难被改正,所以我一直主张选择经典的大师作品去临摹学习。

还有很多初学者往往会热衷于一些绘画理论的研究和探讨,这里我想说明一下,研究和探讨油画的理论本身并没有错,但是请记住,仅仅研究理论,绝对不会让你的油画作品获得大的提高,理论的研究只是你亲身的实践的辅助。现今市面上充斥着各式各样的有关所谓的油画理论的研究性文章,我想说的是,这些文章大多出自油画理论家之手,而大多数的油画理论家并不是一个优秀的画家,甚至国内有些油画理论家并不会画油画,一个没有过多少亲身实践经验的理论家抛出的理论,能对你的油画学习带来多大的帮助呢?油画艺术本身是一个仁者见仁智者见智的东西,任何人都有自己独特的艺术见地,对于初学者来说,在没有大量亲身实践和操作的基础上去研究理论,很容易被带入错误的方向。所以,我建议大家在油画学习过程中,直接从优秀的大师经典作品入手,在亲身实践过程中仔细体会和感悟其中的精髓和奥妙。

如何去进行这种模仿工作,这对初学油画者是一个十分重要的问题,他们必须将学习的重点放在研究这幅画的实质性的问题上——如画油画的程序和方法而不是仅仅满足于表面的形似。许多初学者往往对这一根本性的问题恰恰容易忽略,他们往往为表面形象所迷惑,把

一些表现效果模仿得很像,犹如精心复制了一幅行画一样。这种模仿品除了可以送人布置房间以外,可以说对于他学习油画艺术本身不会有什么收获。

临摹古典油画的范本最好是选用那些画幅比较大并且印刷精美的局部特写,而切忌选择那种人物众多场面复杂的全景式的作品。许多原版画册里被放大的局部为我们的这种学习提供了可能性。在条件允许的情况下,在开始这项工作前最好是尽可能地向见过这幅画的原作的专家们请教;关于这件作品画面的详细情况,或者寻找一些介绍这位作者包括与他同时代的油画艺术总的风格的文字资料加以分析、研究,对原作的作画程序,要做到心中有数,才可能收到预期的效果。

师法名作与师法造化是我们学习艺术所必须同时认真对待的一个问题的两个方面。我们之所以花力气去临摹古典油画名作是因为通过对这个局部的解析可以使我们举一反三。因此,我们决不可将它看作我们学习的目的而仅仅只能作为了解和熟悉这种艺术风格的基本规律的一种手段。我们通过临摹名作可以加深理解多层画法的特点是表现力丰富、厚实。不要以为多层画法便于修改便可以反复磨蹭,多层画法必须要有计划有步骤地进行制作,严格的素描写生对于多层画法完全必要。素描写生已在分析层次,为油画制作作准备,上画布后,第一层就是为第二层作准备。修改虽不能绝对避免,但技术上应严格要求。

为大家推荐一些适合油画临摹的作品资源:

 

肖像油画:

 

油画:《戴金盔的男子》 画家:伦勃朗

 

油画:《诗人杰姆巴蒂斯塔·马里诺的肖像》 画家:卡拉瓦乔

 

油画:《年轻女子肖像》 画家:维米尔

 

油画:《让·玛丽·约瑟夫肖像》 画家:安格尔

 

油画:《小女孩肖像》 画家:委拉斯贵支

 

油画:《 让·戈洛的肖像》 画家:罗吉尔・凡代・韦登

 

油画:《女士肖像》 画家:古斯塔夫·库尔贝

 

油画:《朱里奥·德·美第奇的肖像》 画家:桑德罗·波提切利

 

人体油画:

 

油画:《泉》 画家:安格尔

 

油画:《手拿贝壳的女人》 画家:威廉·阿道夫·布格罗

 

油画:《维纳斯》 画家:波提切利

 

油画:《乌尔比诺的维纳斯》 画家:提香

 

油画:《男人体》 画家:米开朗基罗·博那罗蒂

 

油画静物:

 

油画:《静物:家禽》 画家:威廉凡·万·艾斯特

 

油画:《有银壶、镀金杯和一碗水果的静物》 画家:威廉·卡尔夫

 

油画:《静物:烟杆与水壶》 画家:夏尔丹

如何避免把素描关系画乱

姚澈Cheyo:

为了防止在素描中把明暗关系和色调画乱,提出了“三大面”、“五调子”的学说。

  在通常情况下,物体受光后,不论有无明确的光源,不论光的强和弱,都必然产生受光(光强的部分)、半受光(光弱的部分)、不受光(不是绝对不受光,而是受反射光的影响)这三大部分,称为“三大面”。

  “五调子”是从三大面理论中,进一步划分出来的。由于大面中还有小面,其深浅变化自然要复杂得多。在深入表现对象明暗变化时,要把实际上极为复杂的黑、白、灰差别,归纳成五个大层次,以便胸有成竹不致把色调画得到处都一样,或者画得乱糟糟。

  “调子”是借用音乐中的音调来作比喻的。一首乐曲不能乱唱、乱奏、各行其事,必须统一在一个调式中,否则声音就会噪杂刺耳。画素描时,对复杂形体的明暗关系、对看来很难控制的复杂而差别很小的黑白颜色,归纳成五个调式,方便在各调式的范围之内去刻画。无调不成曲,无调也会把画面画乱。

  五个调子是什么?

  1.亮部中的高光。

  2.亮部中正面受光的部分。

  3.亮部中的侧面受光的半受光部分。

  4.暗部中受反光的部分。

  5.暗部中不受反光影响或影响极小的部分。

  区别五调子要靠分析和理解,-不能只凭感觉,也要运用“画关系”的方法去观察比较。对体积的理解,对面的认识和归纳能力是把握好“五调子”的基础,只靠视觉的分辨是不可靠的。

  何谓“画关系”?写生中在画复杂的明暗关系时,都要运用这一方法。这就是把对象中的各种关系(明暗、色彩、虚实等关系),正确地反映在自己的画面上。这种关系指的是大的关系,不是说每个小的细节、小的局部都要去比较。凡企图和对象一模一样者,必是犯了抄袭对象的毛病。

  画关系是一种比较方法,又是一种归纳方法,是让自己的画面去符合对象的大关系。无论是画素描还是画色彩,画关系都是根本大法。

  为什么初学素描的人不宜先画人物肖象,不宜先画风景、静物而要求先从石膏形体、石膏柱头、石膏人像开始呢?因为石膏物体本身没有色彩,依靠简单的比较和理解就可以把各种变化分成五个调式。而画有不同色彩变化的人物、静物等就复杂多了;它们既有受光程度的不同,又有色彩在受光后明度的不同,这除了要善于观察比较外,还要有较敏锐的感觉和清楚的头脑。

怎样才能提高素描的艺术感觉

姚澈Cheyo:

学画需要良好的感觉,学习素描也是一样,没有好的感觉就学不好绘画。感觉好是天资天赋,如同学声乐有个好嗓子一样。好感觉好嗓子只能是学画和学声乐的好条件,不好好锻炼也是不会成器的。


要使感觉敏锐,有深邃的洞察力,必须要经过严格的理性训练才能得到。从儿童画中可以鲜明地看到儿童对形象的感觉是天真的直觉。学习素描后,随着理解力的提高,认识到物象的具体性和复杂性,感觉也不再是原始的了,就会越来越感到被认识的东西太多了,不知道的天地太大了。可见,感觉不经过理性的训练是不会深化的。


感觉的提高有自己的规律:


认识事物首先皆从感觉开始,经过理性的分析和辨别,把感觉提到理性阶段;然后,再用提高了的感觉进行再理解再认识,使感觉又进一步得到提高。这样,从感性到理性,从理性又回到感性,如此循环往复,一次比一次深化,每次反复都是对感觉的一次提高和锻造。画素描的过程,就是感觉和理解多次反复的过程。谁违背这个规律,不愿去做多次反复的探求,并从探求中发现新的认识,那么,谁的感觉就不会变锐利,就不会看得深画得准。


理解虽重要,但它必竟不是目的,目的在于提高感觉能力。这里所说的感觉是指有艺术感的视觉感受,理性是不能代替艺术的视觉的,就像逻辑思维不能代替形象思维一样。理解只是提高视觉能力的不可少的手段和途径。


提高艺术视觉的规律是:


从最生动的直觉开始,然后进入理性认识对象的研究阶段,使感觉不断得到提高,这是一般的感性与理性认识的规律。作为提高艺术视觉能力的全过程,这只是走完了它的一半路程,还必须经过必然理解的阶段之后,逐步完善那些受理性和规律所约束着和支配着的感觉,使之走向自由的视觉境界。这就是艺术视觉发展和形成的过程。不最后抛开纯理性认识,就会被各种清规戒律、条条框框所束缚,不能达到艺术视觉阶段。


素描虽然科学性很强,但它终归不是科学而是艺术。故反对只凭道理按规律作画的倾向。艺术依赖于感觉(虽然它,是经过理性锤炼后深化了的感觉)而不是直觉。在长期作业中,在对同一物体的反复研究过程中,始终把握最初的最生动的第一印象也是重要的。


画家的眼睛和普通人的不同,普通人没有必要从事这种从感性到理性的多次反复的视觉训练。既要作画家,就必须具备画家的“眼力”。一幅素描作业反映作者的眼力,反映作者的理解的深度和广度。没有理解作基础,眼力永远是原始的,不提高艺术视觉能力,眼力又永远会停留在理性阶段,并受理性的控制。

学好素描,先要理解素描

姚澈Cheyo:

画面反映作者的感觉,也反映作者的理解意识。理解得深就感觉得充分,感觉充分才能画得深入。素描是锻炼思维能力和提高视觉能力的手段。


 


在与很多素描初学者的交流中,我发现许多的素描初学者在画素描时,对所画的对象缺乏应有的理解,或者没有深入理解的欲望。这种通病是普遍的也是可怕的。它不但浪费了自己的宝贵时间和精力,而且还学无所获劳面无功。


 


众多有志于绘画的新手,画素描甚为用功,但颇见成效者少,成绩甚微者居多。为什么?用功不能只用在手上,重要的是要用头脑去画画,通过思维去理解对象。学习就是用脑子去消化和理解更多的知识与规律,以指挥自己的眼睛。用脑者事半功倍,不用脑者则事倍功半。


 


评价一幅素描作业好坏的标准是什么?不是表面精细;线条排列有序,不是画面的洁净和是否“画完”。标准是看你通过画面所反映出来的理解程度,以及在理解基础上的视觉能力和表现能力。


 


譬如,有的学校在入学考试时,摆的素描考试作业是多光源,无明确亮面与暗面,又是白色的石膏头像。怎么画?想一下为什么出这样的考题?目的是什么?


 


这是测验考生对物体的结构观念如何,对结构的理解程度,对体面认识的能力,以及在理解基础上的表达能力,考核考生是否只会抄袭表面现象。如果平时在练习中只会抄袭对象的表面黑白光影,不理解这些深浅变化的丰富而又复杂的内涵,面对这一考题时就会束手无策。


 


在素描学习的初级阶段,我们应该以研究和理解为主要任务,这个阶段最重要的是要通过训练,准确地在作业中反映对象的结构、形体、明暗、空间、调子的各种关系。古人云,作画要“十日一石,五日一水”。这不是要你十天画一块石头,五天画完一片水,而是要求认真地去研究和理解对象,那怕是较简单的物体也要拜其为师,苦心经营,百虑而不怠地去对待。


 


虽然研究和理解对象是素描学习中的第一重要课题,可是许多人并没有认识到它的重要性。为什么?这首先是因为把素描学习看得过于简单,不知其中之深浅,可能认为是个技术不熟练问题,觉得多画自然生巧,生巧就可成功。因此,不愿花费时间做更多更充分的研究,岂不知不理解对象就连大的轮廓也难画对,只能做到似是而非,把虎画成猫。


 


作为正规美术院校主课之一的素描,课程的要求其实是很高的。它要通过由浅入深,由简到繁,再由深入到提炼,由精细到概括的过程来反复地理解对象,从而把素描能力一步步地提高到高级层次。这是由会到能,从能到精的必然过程。在这个过程中,都是以理解程度的深与浅、高与低、粗与精为前提,以思维能力和视觉能力的提高作为基础的。


 


在素描学习过程中,我们要把理解贯穿到学习的一切方面,把思考贯穿到作画的始终。画面就是自己理解程度的一面镜子,理解多少才能画出多少,不理解等于瞎画。


 


在素描写生过程中,如果不理解画面,只把眼睛停留在表面现象上,做只知其表不知其里,不知其然也不知其所以然的极简单的抄袭与描摹。只会抄个“模样”,是不能正确表达对象的。


 


然而,使用“抄袭法”却是学习素描中存在的普遍现象。它象瘟疫一样严重地影响着学习的提高。


 


抄袭法的根源在于观察上的概念化与表面化,不分析研究,不问问自己所画的每一笔究竟反映的是什么。


 


抄袭法之所以很容易被接受就在于它可以不经过脑子去分析、综合和理解就可以抄出个“模样”来。要知道,任何一种学习都是脑力劳动,否则就不可能进入学习的广阔领域,只能在绘画大门之外徘徊。


 


很多老师宁愿教没怎么学习过素描的学生,也不愿教学了多年后养成了抄袭习惯的学生。原因在于这种坏习惯一旦养成改之很难,不下大决心是改不了的。丢掉抄袭法恶习之时,才是进步的开始!